4 måter å skrive, direkte og redigere din egen film

2024 Forfatter: Robert Blare | [email protected]. Sist endret: 2023-12-17 07:57

Har du noen gang ønsket å lage din egen film? Å skrive, regissere og lære å redigere din egen film er et skremmende forslag, men det gir deg den ultimate kreative kontrollen over skapelsen din. Du bør være klar til å legge ned mye arbeid bare for å få laget filmen din, men du bør også være klar til å ha det gøy. Så ta noen venner, sett sammen et kamera og gjør deg klar til å rulle- Hollywood ringer.

Trinn

Metode 1 av 4: Skrive filmen din

Trinn 1. Kom på en idé

Med mindre du har en fantasi på størrelse med Oseania, vil dette være den vanskeligste delen. Å komme opp med ideen til filmen din trenger imidlertid ikke å være et intens oppgjør med Artistic Muse. Prøv å få en god setning, som den du leser i en filmbeskrivelse, for å basere filmen din. Hva er konflikten, karakteren eller historien du vil fortelle? Husk noen ting når du planlegger:

• Mindre er bedre - hvis du skyter dette selv, må hver ekstra karakter, plassering og spesialeffekt finansieres og finne ut på et tidspunkt.
• Hvilken sjanger sikter du etter? Komedie? Sci-fi? Drama? Når du kjenner sjangeren din, kan du begynne å tenke på plott og karakterer som passer den.
• Hva er filmkombinasjoner du ikke har sett? Selv om det virker barnslig, er nesten alle filmer og TV hybrider av andre filmer, TV og sjangere. For eksempel er Twilight Vampire + Romance Novel. Har du sett en god komisk western? Hva med en stoner sci-fi? Hvordan kan du matche interessene dine på uventede måter?
• Hvor har du erfaring? Kan du kommentere det daglige livet til en kontorarbeider på en original måte? Vet du mer om diskgolf enn noen andre? Er det en film i disse opplevelsene et sted?
• Slå opp "log-lines" for favorittfilmene dine for inspirasjon. Dette er lignende synopsis med én setning av filmer som brukes til å selge manuset til filmledere. Du kan søke på tusenvis av dem på nettet.

Trinn 2. Finn opp karakterene dine

Karakterer driver historier. Nesten alle filmer er et resultat av en karakter som vil ha noe, men ikke klarer å få det. Filmen viser deretter prøvelsene og prøvelsene til karakteren (e) mens de prøver å oppfylle sine ønsker (få jenta, redde verden, uteksaminerte høyskole, etc.) Publikum forholder seg til karakteren, ikke filmen din, så du trenger for å sikre at du har gjennomtenkt tegn før du begynner. Gode karakterer:

• Er runde.

  Dette betyr at de har flere fasetter, ikke bare en "sint mann" eller "sterk heltinne". Runde karakterer har styrker og svakheter, noe som gjør dem relatert til publikum.

• Har begjær og frykt.

  Selv om det bare er én av hver, ønsker en god karakter noe, men klarer ikke å få det. Det er deres evne eller manglende evne til å komme seg over frykten (for å være fattig, for å være alene, for romvesener, for edderkopper, etc.) som driver deres konflikt.

• Ha byrå.

  En god karakter piskes ikke rundt fordi manuset trenger dem til å gå et sted. En god karakter tar valg som presser handlingen fremover. Noen ganger er dette bare ett valg som driver alt annet (Llewellyn, No Country for Old Men), noen ganger er det en rekke gode/dårlige valg i hver scene (American Hustle).

Trinn 3. Skiss ut de viktigste plottpunktene i filmen din

Noen mennesker liker å komme med karakterer og et premiss og deretter begynne å skrive. Alle manusforfattere ser imidlertid verdien av 5-punktsplottet, der fem viktige, eskalerende øyeblikk utgjør filmen. Nesten hver eneste film som er laget følger denne generelle strukturen, fra Jurassic Park og Just Friends, til Jupiter Ascending. ' Dette betyr ikke at skriptet ditt må følge denne malen, men det er en metode for galskapen. Det er fem store øyeblikk i hver film som faller på nøyaktig samme sted, og du trenger en god grunn til å avvike fra dette systemet hvis du vil være "original:"

• Oppsettet:

  Hvem er karakterene dine, hvor bor de og hva vil de? Dette er de første 10% eller mindre av filmen din.

• Endringen av planer/mulighet/konflikt:

  Det skjer noe som setter i gang konflikten din - Erin Brockovich får jobb, Superbad -skolen holder en fest, Neo blir introdusert for The Matrix, etc. Dette er omtrent 1/3 -merket i manuset ditt.

• Point of No Return:

  Frem til dette punktet jobber karakterene hardt for å gjøre målene deres til virkelighet. Men på halvveis i filmen skjer det noe som gjør det umulig å snu. En Bond -skurk angriper igjen, Gladiator ankommer Roma, Thelma og Louise raner sin første butikk osv.

• Det store tilbakeslaget:

  Siden det var ingen retur, har innsatsen blitt høyere. For karakterene og publikum virker alt håp tapt. Dette er når jenta og fyren bryter opp i hver romantisk komedie som noen gang er laget, når Ron Burgundy får sparken i Anchorman, og når John McClane blir slått og blodig i Die Hard. Dette kommer til 75% -merket i historien din.

• Klimaks:

  Karakterene gjør et siste, all-out-trykk for å nå målene sine, og kulminerer med deres største utfordring av alle. Dette er løpet gjennom flyplassøyeblikket, de siste hullene i Caddyshack, eller oppgjøret mellom helt og skurk. Når det er løst, knytter de siste 10% av manuset løse ender og viser etterspillet av klimaks.

Trinn 4. Skriv skriptet ditt

Hvis du produserer filmen selv, kan du bruke hvilket som helst skriveformat du liker. Imidlertid vil manusskriverprogramvare som Celtx, Writer Duets og Final Draft hjelpe deg med å få formatering i studiokvalitet sammen med verktøy som er spesifikke for manusforfattere. Disse programmene vil automatisk formatere deg, og er en fin måte å vite lengden på filmen din på-1 side med formatert skript tilsvarer omtrent 1 minutt skjermtid.

• Gi deg selv noen notater om ting som setting, landskap og skuespillere, men fokuser hovedsakelig på dialogen. Du tar de andre beslutningene senere, når du har kameraer, skuespillere og steder.
• Forbered deg på omskriving også. Det er nesten umulig å få alle øyeblikkene dine - tegn, plott, temaer, vitser, etc. - rett i den første gjennomføringen. Når du er ferdig, går du tilbake til skriptet og prøver å lese det objektivt. Ville du sett denne filmen?

Trinn 5. Gjør en tabell som er lest for å forbedre skrivingen din

Bordlesninger er avgjørende for å finpusse et godt manus og forberede filming. Få et par venner eller skuespillere og gi dem et manus 2-3 dager i forveien. Inviter dem deretter over og gjør en tørr runde av hele filmen, og få dem til å snakke ut delene mens du eller noen andre forteller handlingene. Noter alle linjer som høres unaturlige eller klossete ut, der en scene kommer til kort, og hvor lang tid manuset tar å lese.

• Spør skuespillerne/vennene hva de syntes. Hvor ble de forvirret, hva elsket de? Spør dem om de følte at karakteren deres var gjennomtenkt og konsekvent.
• Prøv å ikke spille en rolle og bare lytt. Hører du filmen din komme til liv? Høres det ut som du håpet det ville? Du vil høre disse øyeblikkene nå, ikke når kameraene slås på.

Metode 2 av 4: Forberedelse til produksjon

Trinn 1. Lag en liste over alt utstyr og utstyrsbehov

Å lage en film tar mye utstyr, inkludert kameraer, mikrofoner og lys. Ta en rask oversikt over hva du har for utstyr, og finn deretter måter å fylle hullene på:

• Kameraer:

  Selvfølgelig kan du aldri filme en film uten et kamera. For de fleste filmer trenger du minst 2 kameraer, og fortrinnsvis 3. Når det er sagt, har moderne kameraframskritt gjort det mulig å filme en film med en iPhone 6, slik at du ikke trenger å slippe store penger lenger. Det viktigste for en profesjonell film er å ha kameraer som fotograferer i samme format (for eksempel 1080i), ellers vil videokvaliteten endre seg subtilt for hvert kutt. Hvis du har et budsjett, kan du vanligvis slippe unna med å bruke telefonen eller et standard DSLR -kamera.

• Mikrofoner:

  Hvis du er i en situasjon, kan du bruke pengene dine på lydutstyr: det er bevist at publikum merker dårlig lyd før dårlig video. Selv om du kan bruke de vedlagte kameramikrofonene hvis du må, er en Tascam- eller hagle -mikrofon alltid en verdig investering.

• Belysning:

  Hvis du kan få et flott 3-5-delslys, kan du bruke det. Disse lampene har en rekke funksjoner og innstillinger som hjelper deg med å tenne enhver tenkelig situasjon. Imidlertid har 5-10 billige klemmelys og skjøteledninger tent mange indiefilmer. Alt du trenger er lys og forskjellige lyspærer (wolfram, frostet, LED, etc.) for å tilpasse scenen din.

• Viktige tilbehør:

  Avhengig av filmen trenger du minnekort, en backup -harddisk, stativ, lysreflektorer, skjøteledninger, svart tape (for å dekke eller tape ned ledninger) og videoredigeringsprogramvare for datamaskiner.

Trinn 2. Lag et storyboard for hver scene

Storyboards ser litt ut som grove tegneserier - du tegner det generelle bildet, og legger deretter til dialogen som må sies under. Du kan enkelt laste ned maler online, og deretter trekke dem inn før et skudd. Storyboards er som sjekklister mens du filmer, og hjelper deg med å fange hvert bilde du trenger, slik at du ikke plutselig går glipp av noe når du redigerer.

• Hver ramme du tegner blir din skuddliste - en detaljert bok fylt med hver kameravinkel du trenger å fange for å fortelle historien din. Når storyboardet ditt er ferdig, kopierer du det og legger det i et bindemiddel for senere referanse.
• Noter kutt og overganger og viktige lydeffekter. Disse tegningene trenger ikke å være kunst, de må fortelle historien om filmen din visuelt.
• Disse kan føles kjedelige, men de vil spare deg tid på settet, noe som raskt blir dyrt.

Trinn 3. Finn settene og stedene dine

Det er mange tanker om valg av sett, og ingen av dem tar feil. Du kan bygge dine egne sett for ultimate kreativ kontroll, men dette tar tid og mye penger. Du kan også skyte i hus og steder du har lett tilgang til, for eksempel vennens hus eller bakgård. Alternativt kan du leie ut steder du liker, og få rettigheter til å filme på en skole, et hotell eller en park. Uansett hva du gjør, sørg for at settet ditt passer til filmen din, og la deg og ditt mannskap ta over plassen i flere timer, uforstyrret.

Trinn 4. Bruk storyboardet og utstyrslisten til å lage budsjettet

Dette kan være det øyeblikket hver filmskaper hater mest, men du trenger en realistisk idé om filmens kostnad før du begynner å skyte. Du vil for eksempel ikke komme halvveis i skytingen og innse at du ikke har råd til å leie en bil for den klimatiske jagescenen lenger. Hold budsjettet enkelt og realistisk. Trenger du virkelig 10 rekvisitter, eller kan du gjøre med 2? Kan du eliminere eller endre en scene med 100 statister for å ha 10? Du må budsjettere for:

• Utstyr som du ikke eier for øyeblikket.
• Rekvisitter, kostymer og steder (for eksempel å leie ut en ballsal eller restaurant).
• Mannskap og skuespilleravgifter. Det er mulig å få mannskaper og skuespillere gratis, men det er sjelden man får folk til å hjelpe i mer enn 1-2 dager uten lønn. Du kan kanskje tilby tjenester mot at de hjelper deg på en kortere produksjon.
• Mat og transportkostnader for deg, mannskapet og skuespillerne.
• Vet at for et "profesjonelt" skudd, med betalt mannskap og skuespillere, bør du budsjettere minst $ 5 000 per dag.

Trinn 5. Ansett skuespillere og besetningsmedlemmer

Du har karakterene dine, skuddlisten din og nødvendig utstyr - nå trenger du noen til å bruke alt. Hvordan kaste skuespillere er et personlig valg - du kan holde auditions ved hjelp av Craigslist eller avisinnlegg, besøke lokale kinoer eller få vennene dine involvert. Når det gjelder besetningsmedlemmer, er det en rekke stillinger du må fylle:

• Fotograf (DP):

  Uten tvil den viktigste jobben, de har ansvaret for kameraer og lys. Mens du regisserer skuespillerne og gir det siste ordet om bildet, håndterer de de tekniske aspektene ved filmen. Du trenger noen som forstår linser, kameraer og belysning, selv om det bare er en venn som liker fotografering. Det er veldig, veldig vanskelig å effektivt tenne en scene, et sted, kameraer, se på skuespillere og sette sceneriet på samme tid, så få noen som kan ta litt av lasten fra deg og la deg styre.

• Assisterende direktør (AD): Planlegger opptakene, sørger for at opptakslisten er dekket, filmer små scener hvis regissøren er opptatt. Kan hjelpe budsjettet også.

• Kamera- og mikrofonoperatører:

  Selvforklarende, men viktig. Du kan ikke lage en film uten dem.

• Makeup-artist:

  Mens hvem som helst kan gjøre dette, er hovedjobben kontinuitet. Med mindre det går mye tid i filmen din, trenger du skuespillerens ansikt og kostymer for å se identiske ut i hver enkelt scene, ellers vil publikum merke endringene. Ta bilder hver dag av kostyme, sminke og scener for å sikre at det ser likt ut.

• Lyd ingeniør:

  Lytt til all lyden mens den spilles inn, og sørg for at den er riktig. De plasserer også mikrofonene for å hente dialog etter at lysene er plassert.

• Linjeprodusent:

  Sjekker ut steder på forhånd, sørger for at tillatelser og kontrakter er skrevet og signert.

• Produksjons assistent:

  Alltid nyttig, disse menneskene gjør det som må gjøres- forbereder mat og kaffe, tørker minnekort og holder til og med et kamera når det trengs. Du kan aldri ha nok besetningsmedlemmer.

Trinn 6. Signer kontrakter

Det spiller ingen rolle hvem du jobber med eller hva prosjektet er - få en kontrakt signert. Dette beskytter deg i tilfelle ulykker, lovlig forplikter folk til å se filmen din til fullføring, og forhindrer søksmål i tilfelle filmen blir hentet. Du kan søke på nettet etter "Actor Film Contract", "Producer Contract" osv. Og skreddersy det enkelt og fritt etter dine behov, så ikke spar på dette trinnet.

• Kontrakter er paradoksalt nok en fin måte å bevare vennskap på. I stedet for å krangle om noe senere, kan du ganske enkelt gå tilbake til det du allerede har skriftlig.
• Sørg for å ha en bestemmelse, spesielt for skuespillere, som krever at de fullfører filmen når de begynner å skyte.

Trinn 7. Lag opptaksplanen

Realistisk sett, med mindre du bare har noen få personer i skriptet ditt og 1-2 steder, får du bare 5-10 sider med skriptet ditt gjort på en god dag. For store eller vanskelige scener får du kanskje bare 2-3 sider. Jo mer tid du kan bruke på å filme jo bedre, men jo mer tid du bruker på å filme jo mer penger vil du også bruke. Hvordan du balanserer dette avhenger av noen få faktorer:

• Hvilke scener foregår alle på samme sted? Kan du filme dem, selv om de er ute av drift, samme dag?
• Hvilke scener har massive skuddlister? Å få disse gjort først kan sikre at du får de "store" scenene slik du vil ha dem.
• Er det mulig å bruke noen skudd hvis tiden/pengene mangler? Sett disse sist.
• Denne timeplanen kan og vil trolig være flytende. Men jo mer du kan holde deg til det, jo bedre.

Metode 3 av 4: Filme filmen din

Trinn 1. Forbered alt på forhånd

Du bør være den første på settet og den siste som går hver eneste dag. Å filme en film er ikke lett, og du må anta at alt som kan gå galt, vil. Skuespillere blir syke, været samarbeider ikke, og det er hundrevis av små beslutninger (belysning, karakterplassering, kostymer) som må tas hver time. Den eneste måten å få et vellykket skudd er å gjøre så mye arbeid du kan før du begynner.

• Gjennomgå dagens skuddliste. Hva trenger du å få, og hva kan du kutte hvis du går tom for tid?
• Øv med skuespillerne. Sørg for at de kjenner linjene sine og hvordan du vil at de skal spilles.
• Gjennomgå belysning og kameravalg med DP.

Trinn 2. La alle få vite hva som forventes i begynnelsen av skytingen

Gi alle detaljene på en grei måte rett fra toppen. Dette er spesielt viktig for lavbudsjettfilmer, ettersom du vanligvis får skuespill og jobber gratis. La rollebesetningen og mannskapet vite målene dine for dagens skyting og hvor takknemlige de er for støtten.

• Gi ut dagsplanen på forhånd slik at alle er forberedt.
• Fortell mannskapet om spesialeffekter eller stemninger du går etter, og hvordan de kan bidra til å skape dem.
• Gjennomgå opptaksprosedyren slik at alle kjenner sin rolle.

Trinn 3. Sett opp sceneblokkering

Blokkering er hvor skuespillerne er, og hvor de går. Dette er det første trinnet i enhver filming, og det viktigste - alle lys, kameraer og lyd kan ikke plasseres før det er gjort. Hvis scenen er godt innøvd, bør dette være enkelt. Hvis ikke, må du bruke litt tid på å plassere skuespillerne på de riktige stedene.

• Hold dette så enkelt som mulig- gå i rette linjer, grunnleggende innganger og utganger, og for det meste stillinger. Det er ikke et skuespill, og kameraene vil bare fange en liten brøkdel av hele scenen. La kameraet gjøre bevegelsen når det er mulig, ikke skuespillerne.
• Tape kan plasseres på gulvet for å fortelle skuespillerne hvor de skal ende opp etter hvert skudd.
• Du kan ofte forhåndsplanlegge ved å bruke besetningsmedlemmer eller en detaljert skuddliste for å spare tid. Hvis du allerede har blokkert blokkeringen, blir skytingen mye mer produktiv.

Trinn 4. Sett opp kameraene dine

Det er uendelig mange måter å plassere, flytte og bruke kameraene dine. Det er derfor en skuddliste, som i utgangspunktet er en liste over dine forhåndsbestemte kameraposisjoner, er avgjørende for å spare tid og penger. I tidens interesse er de tre viktige kameravinklene i en dialogboks:

• Etablering av skudd eller mestere:

  Etablering av bilder inneholder all handlingen i scenen - de talende karakterene, settet og bevegelsene. De er lange, brede bilder som, hvis noe gikk galt, kan du bruke til å filme hele scenen mens de fanger alt.

• 2-shot (2-kameraer):

  Ett kamera over hver skuespillerens skulder og peker på den andre skuespilleren. På denne måten får du se på hver karakter mens de snakker.

• Når du filmer tre eller flere skuespillere, kan du prøve å blokkere det slik at du har to tegn i rammen samtidig - på denne måten trenger du bare ett kamera for å fange dialogboksen.
• Se noen av dine favorittfilmer med et kresne øye. Hvordan ville for eksempel en film fange en middagsdate mellom 2 personer? Du vil legge merke til disse tre kameravinklene (en av dem begge + bordet, en av fyren, en av jenta) mer enn noen andre bilder.

Trinn 5. Sett opp lysene dine

Husk at det alltid er bedre å ha mer lys enn å ha mindre. Det er lett å gjøre et bilde mørkere i etterproduksjon, men det er veldig vanskelig å gjøre det lettere uten å gå på kompromiss med bildekvaliteten. Bruk naturlig lys til din fordel når det er mulig, og fremfor alt, hold det enkelt. Målet ditt er et fint, gradvis lysområde - dype, mørke skygger og svært få store lyspunkter.

• Sett kameraet i svart -hvitt for å se bare lysheten i bildet. Hvis det fortsatt er et interessant bilde i svart -hvitt, vil det se utrolig ut i fargen.
• Halvannen time rundt soloppgang og solnedgang regnes som den beste tiden å skyte i naturlig lys. Belysningen er myk og jevn, og du kan til og med bruke denne tiden til å belyse bilder om natten, som blir nedtonet senere i etterproduksjonen.
• Bruk "praktiske" eller lys på stedet. Har du problemer med å få lyset riktig? Stikk en lampe i skuddet, eller slå på taklampene.

Trinn 6. Vet hvordan du starter et skudd

Teknikkene for å starte en film vil variere fra sett til sett, men de bør ikke variere fra film til film. Å ha en rutine før du begynner å filme sikrer at alle er på samme side, hver gang. Når det er mulig, er dette ADs plikt. En prøverutine vil omfatte:

• "Alle dette er bilde, vær så snill!"
• "Rullelyd!" Dette er ledetråden til å starte mikrofoner. Når det er gjort, roper noen "Rolling!"
• "Rull bilde!" Dette er ledetråden til å starte kameraer. Når det er gjort, roper noen, vanligvis "Hastighet!"
• Les av tittelen, scenen og nummeret "This is My Movie, Scene 1, Take 2." Hvis du har et clapboard, blir det slått og noen roper "Marker!"
• 3-5 sekunders stillhet.
• "HANDLING!"

Trinn 7. Skyt dekningen når du har scenen du vil ha

Velg noen ekstreme vinkler, interessante bilder av miljøet eller nærbilder av ansikt, hender eller rekvisitter til karakteren, og kjør scenen igjen. Disse bildene kan bare vare i 1-2 sekunder i filmen, men de er viktige for redigering. Se på hvilken som helst film og legg merke til hvor mange små, tilsynelatende ubrukelige bilder som brukes for å komme inn i scenens verden, vise en følelsesmessig rykning eller bare overgang fra scene til scene. Film disse bildene når skuespillerne har levert linjene dine til din smak.

Snakker karakterene om kaken på bordet? Da trenger du et skudd av bare kaken på bordet. Trenger du å vise hva klokken er? Da trenger du et skudd av klokken på veggen

Trinn 8. Gjennomgå opptakene dine hver dag og kryss av skuddlisten

Du må kanskje ofre noe avhengig av budsjett og tid, men selv Hollywood -regissører er tvunget til å gjøre dette. Etter hver dag, må du sørge for at du har alt du vil og trenger, og deretter krysse det av skuddlisten. Du må vite det nå, ikke 3 måneder senere når du begynner å redigere, hvis noe mangler.

Trinn 9. Plukk opp B-roll-skudd

B-roll er ganske enkelt skuddene som ikke inkluderer skuespillere. Det brukes vanligvis i overganger, åpning eller lukking av studiepoeng, eller konfigurering av et nytt sted. Dra ut med et kamera og du DP og få så mange timers opptak som du kan. Ditt primære mål er å tenke på opptak som kan komplimentere filmen. For eksempel er B-Roll in Punch-Drunk Love en serie abstrakte, flerfargede bilder som matcher hovedpersonens forvirrede, engstelige og forkrøplede mentale tilstand. Spionfilmer har vanligvis mange B-Roll med flotte strender, travle byer og dramatiske landskap. B-roll forteller historien din subtilt og visuelt.

• Du kan aldri få nok B-roll. Når du redigerer, er dette bindevevet som holder scenene dine sammen for å lage en legitim film.
• Du kan, og bør, skyte B-roll før og etter at en scene "slutter", ettersom disse 2-3 sekundene er en fin måte å bringe publikum sakte inn i scenen.

Trinn 10. Sikkerhetskopier opptakene dine hver dag

På slutten av opptaket, ta deg tid til å trekke opp bildene fra minnekortene og laste det ned til en sikker harddisk. Dette lille trinnet på slutten av dagen kan spare deg for timer og timer i det uheldige tilfellet at du mister opptakene.

• De fleste fagfolk bruker mer enn én sikkerhetskopi, og kopierer alle opptakene til minst to kilder før de sletter noe på minnekortene.
• Ta deg tid til å organisere opptakene dine også. Lag en mappe for dagen du tok, og organiser deretter opptakene i den mappen etter scene. Dette vil gjøre skyting mye, mye enklere.

Metode 4 av 4: Redigere filmen

Trinn 1. Velg riktig redigeringsprogramvare for filmen din. Det er mange alternativer å velge mellom når det gjelder videoredigeringsprogramvare (ofte kalt ikke-lineære redigeringsprogrammer, eller NLE), fra gratis programmer som iMovie og Windows Movie Maker til komplekse, profesjonelle kraftverk som Final Cut Pro og Adobe Premier. Hva du velger å bruke er i stor grad et spørsmål om personlige preferanser og hvilken type prosjekt du jobber med:

• Gratis programvare, som iMovie og Windows Movie Maker, er egentlig bare nyttig for små filmer, vanligvis alt under 20 minutter. De er ikke designet for å håndtere mange video- og kameravinkler og har et begrenset antall overganger og alternativer for effekter.
• Betalt programvare er nødvendig for enhver håpefull filmskaper. Hvis du bruker flere kameraer på en scene, trenger jevn tekst, overganger eller effekter, eller bare vil ha et profesjonelt program, må du investere i god programvare. For tiden er de tre "industristandard" -programmene Avid, Final Cut X og Adobe Premier, og hver kommer med en heftig prislapp, ofte $ 400 eller mer. Du kan imidlertid ofte abonnere på disse programmene for en liten månedlig betaling.

Trinn 2. Importer en scene til videoredigereren

Med en kort film (under 20-30 minutter) kan du sannsynligvis importere alle opptakene samtidig. Men hvis du lager en spillefilm, eller bare jobber med mange kameravinkler, vil du redigere filmen din i stykker. Importer bare opptakene du trenger for scenen, så vel som relevant B-roll.

Hvis du har flere kameraer på samme scene, kan du bruke programmets "Synkroniser" -alternativ for å stille dem sammen. Finn programmene dine "multi-camera editing mode", som gjør det enkelt å bytte mellom flere bilder samtidig, ved å søke etter "[Your Program] Multi-Cam Edit" online. Dette matcher alle kameraene slik at du ikke trenger å bruke timer på å sørge for at hvert snitt er i takt med det siste bildet

Trinn 3. Bruk de første bildene til å angi stemningen og temaet for scenen

De første bildene vil sette fokus på scenen. Du har et nesten uendelig antall valg, men noen av de vanligste inkluderer:

• Etableringsskuddet:

  Dette er den desidert vanligste måten å starte en scene på. Dette bildet viser alle hovedaktørene, scenen og stedet på en gang. Dette gjør at publikum får en følelse av scenen, og de kan deretter følge med resten av kuttene som kommer.

• Karakterfokusert:

  Enten de sier den første linjen eller ikke, etter hovedpersonen i scenen forteller den publikum at dette er personen de må ta hensyn til - noe vil skje med dem, eller de vil ha en viss innsikt.

• Innstilling av scenen:

  Bruk B-roll og bilder av rommet/miljøet for å få en følelse av beliggenheten. Dette brukes i mange filmer, spesielt skrekk, der en scene kan starte med 5-6 skumle bilder av et hjemsøkt hus med farlige rom.

Trinn 4. Bygg dialogen rundt skuespillerens beste innspill

Se bildene dine på nytt og se hvilke scener du liker best - hvor alle treffer merkene sine, dialogen føltes naturlig og opptakene er klare og i fokus. Hvis du finner en prøve hvor alt er godt utført, har du lykke til, og arbeidet ditt vil bli mye raskere.

Trinn 5. Vis hvert tegn mens de leverer sine linjer

Denne regelen er ikke vanskelig og rask, men du bør nesten alltid begynne med den. Derfra kan du bestemme om det er viktigere å se et tegn som lytter eller et tegn som snakker. Se Whiplash eller There Will Be Blood for en god ide om hvor scenefokus bør være i dialogorienterte filmer.

Den beste karakteren å vise i en scene er vanligvis et spørsmål om følelse. Hvem føler det som behov for å være fokus for linjen? Gir en skuespiller et spesielt godt uttrykk eller en reaksjon på noe? Hvor ville øynene dine gått hvis du satt i rommet med skuespillerne?

Trinn 6. Fyll ut eventuelle hull/feil fra B-roll og andre oppgaver

Noen ganger får du ikke en god opplevelse, og du må kombinere mye opptak for å få scenen til å fungere. Dette er utrolig vanlig, men det burde ikke være vanskelig hvis skuespillerne treffer blokkeringen riktig hver gang. Dette er når du legger til detaljer og farger på scenen. For eksempel kan et tegn tilby noen kaken på bordet, og du kan kutte til et bilde av kaken. Eller i en anspent avhørsscene kan du vise kriminelle ansikt på nært hold, svette og bekymret, før du går tilbake til neste dialoglinje.

Det er ingen riktig måte å redigere en scene på, så lenge du husker at du prøver å fortelle historien fremfor alt annet. La bildene snakke så mye som mulig

Trinn 7. Juster tidspunktet for scenen for å gi den rytme

Redigering handler om tempo og timing. Du trenger at filmen flyter naturlig. Dette er grunnen til at redaktører tenker i form av individuelle rammer-mikrosekund-stillbilder du ser hvis du stopper skjermen midlertidig-i stedet for sekunder. Mange redaktører jobber med musikk av denne grunn, og redigerer bildene slik at de passer til et slag eller en sang og gir scenen rytme. Du trenger ikke å holde deg til skuespillernes naturlige rytme på skjermen, og i mange tilfeller bør du ikke. Å legge til eller slette pauser, selv med noen få tideler av et sekund, kan gjøre en god ytelse til en flott. For eksempel:

• Komiske, actionorienterte eller høyenergiske scener har veldig rask timing. Det er ikke mange mellomrom mellom linjene, og ordene faller nesten over hverandre for å komme ut. Dette får scenen til å føles rask og livlig.
• Spente scener er vanligvis tregere. Pauser trekkes ut, B-roll brukes tungt, og skudd holdes lenge for å gjøre betrakteren ubehagelig. For en mesterklasse i sakte redigering, se 12 Years a Slave, spesielt den hengende scenen midt i filmen.
• Det tar en menneskelig hjerne 3-5 bilder for å gjenkjenne et bilde. Dette betyr at hvis du prøver å være for rask med ting, kan du bare forvirre publikum.

Trinn 8. Lær de forskjellige typene kutt for å redigere profesjonelt

Redigering er kunsten å fortelle en historie gjennom kutt. Med andre ord, en film er rett og slett en serie videoer som er satt tilbake til rygg, og hvordan du kutter fra den ene til den andre er hvordan publikum oppfatter historien. Derfor er hvordan du bestiller kutt fra den ene videoen til den andre alle "sakene" når du redigerer en film. De beste klippene er sømløse og forteller historien uten at publikum innser at vi har hoppet fra den ene scenen til den andre.

• Hard Cut- et øyeblikkelig kutt til en annen vinkel, vanligvis i samme scene. Dette er det vanligste kuttet i film.
• Smash Cut- Et brått skifte til en helt annen scene. Dette henleder oppmerksomheten til kuttet, noe som ofte signaliserer en overraskelse eller et stort skifte i handlingen.
• Jump Cut- Et brått kutt gjort i samme scene, ofte av en litt annen vinkel. Disse er sjeldne, og viser vanligvis forvirring eller tiden som går.
• J-Cut- Når du hører lyden fra neste bilde før du ser videoen. Dette er en flott måte å koble to scener tematisk, eller gi narrasjon.
• L-Cut- Når du ser videoen fra neste bilde før du hører lyden. Dette er en fin måte å vise en karakter som snakker om noe, som et løfte, for deretter å gjøre det (eller bryte det).
• Action Cut- Et kutt midt i en handling, som noen som åpner en dør, som "skjuler" kuttet i handlingen. For eksempel kan en karakter flytte inn for et kyss, og når hodet krysser skjermen, klipper du til hodet og kommer inn i skjermen i en annen vinkel, vanligvis personen som skal kysses.

Trinn 9. Sy sammen scenene dine med B-roll og overganger

Når du har laget scenene dine, er det på tide å begynne å trekke dem sammen. Hvis du har redigert alle scenene dine som separate filer, kan du importere dem til et nytt "Master Film" -prosjekt og sette dem i orden. Deretter kan du bruke B-rullen, dekningsbilder og overganger for å få dem til å flyte sømløst sammen. Mens du opprinnelig så på scenetimingen, ser du nå på filmtiming - kan du trimme en scene her og der for å få ting til å gå raskere? Trenger du litt mer B-roll mellom scenene for å gi publikum tid til å reagere på et dramatisk øyeblikk? Igjen - timing er alt.

• Dette er et godt tidspunkt å be en venn om å se filmen sammen med deg. Får de alt som skjer? Er det noen plottpunkter som går tapt i blandingen og trenger mer tid? Noen som er for forklart og kan kutte bort?
• Generelt, jo mer du klipper, jo bedre blir filmen. Hvis en scene ikke fungerer, og den ikke gir noe nyttig til handlingen, kan du bli kvitt den.

Trinn 10. Korriger fargen og lyden på filmen din for å gjøre den profesjonell

Når du har fått filmen så god som den kan være, er det på tide med den lange oppryddingsprosessen. De siste, og viktigste, trinnene for en profesjonell film er fargekorreksjon og lydblanding. Selv om det er skrevet hele bøker om emnet, er det beste rådet å bare få det til å se konsistent ut - scenene har lik belysning og farge, og det er ingen steder hvor lyden er iøynefallende høy eller vanskelig å høre.

Det er mange studioer som, mot en liten avgift, kan betales for profesjonell fargekorreksjon og lydblanding. Hvis du er usikker på hvordan du gjør dette og ønsker en profesjonell film, bør du absolutt betale for profesjonell fargegradering og lydblanding

Trinn 11. Rediger for å fortelle historien, ikke for å være prangende

Det er mange prangende, berømte og stiliserte filmer der ute som virker som en god idé å kopiere. Spesielt Quentin Tarantino og Guy Ritchie har sett sine animerte, kinetiske stiler i filmer som Pulp Fiction og Lock, Stock, & Two Smoking Barrels, tilegnet av unge filmskapere overalt. Det disse menneskene ikke skjønner er at regissørene valgte den stilen fordi den passet til filmen. Redigeringen ser enkel ut fordi den ganske enkelt lot historiene (kinetiske, handlingsorienterte historier) ta sentrum. Din jobb nummer én når du redigerer er å la historien fortelle seg selv naturlig. Du veileder betrakteren, men på ingen måte skal seeren kommentere redigeringen. Den beste redigeringen er usynlig.

Tips

• Prøv å skrive litt musikk til filmen din. Det gir det bare det spesielle preget.
• La skuespillerne se over manuset og be dem skrive ned ting de vil ha i filmen. Prøv å ha dem i en logisk sekvens og sørg for at de ikke er for opprørende for filmen din.
• Mange byer har haller som kan leies ut hvis du trenger et mer romslig sett.
• Prøv å ha det gøy på settet fordi det vil gjøre skuespillet lettere enn å være seriøs hele tiden. Du kan til og med ha et spesielt møte for deg og skuespillerne for å diskutere filmen, karakterene, settene og antrekkene du skal ha på deg, og bare gi tankene sine om hvordan du kan gjøre filmen mer interessant.
• Visninger og oppløsninger ser vanligvis mer profesjonelle ut enn andre overganger, som våtservietter eller vendinger.
• Prøv å legge til dubbelydene, det gir filmen et spesielt preg.

Advarsler

• Men vær forsiktig med dette, da solen som skinner på ryggen din kan kaste skygger i bildet ditt.
• Hvis du filmer utendørs kan solen treffe kameraet i en dårlig vinkel. Prøv å unngå dette ved å skyte på en overskyet dag, eller beveg deg til solen vender mot kameramannens rygg.