Animasjon er lett å komme inn på, men vanskelig å mestre. Det er like mange animasjonsstiler som det er animatorer, og å begynne med en kortfilm er en fin måte å øve animasjonsteknikker på når du utvikler din "signatur" -stil. På samme måte som alle andre filmer, tar animasjon tid, tålmodighet og mye planlegging for å få det bra, men alle med en datamaskin kan lage en animert kortfilm.
Trinn
Metode 1 av 3: Making an Animatic (Pre-Production)
Trinn 1. Skriv ut et manus
Dette er ofte lettere sagt enn gjort, men du må skrive ned ideene dine tydelig og gi dem struktur før du begynner å jobbe. I motsetning til live action er det nesten umulig å "improvisere" en animasjonsfilm, ettersom det ganske enkelt tar for lang tid å animere alt. Du kan bruke et enkelt Word -dokument eller manusskriverprogramvare som Celtx, Writer Duets eller Final Draft. Skriptet ditt trenger ikke dialog, men det trenger:
-
Et tema.
Hva er "poenget" med kortfilmen? Dette trenger ikke være stort, dyptgående eller komplisert. Det kan være alt fra "tap av uskyld i barndommen", eller "kjedsomhet er en sinnstilstand", til "jeg vil få folk til å le med denne vitsen." Tenk på det som et veiledende prinsipp for filmen din.
-
Tegn.
Hva vil holde oppmerksomheten til publikummet ditt? Dette kan være alt fra en person eller et dyr til en snirklete linje, som den Oscar-vinnende novellen "The Dot and the Line: A Romance".
-
Visuals.
Hvor foregår den korte? Hvordan er stemningen eller stemningen? Et manus må fortelle historien om det korte i sin helhet, slik at det kan brukes som en plan for fremtidig arbeid.
-
En begynnelse, midten og slutt.
Dette høres åpenbart ut, men det er poenget - nesten alle historier blir fortalt i tre spesifikke, avgrensede deler eller handlinger. Dette betyr ikke at du må ha en historie med tre akter, eller til og med "karakterer". Du trenger imidlertid å tenke ut "handlingen" i kortfilmen før du går videre.
- Akt 1 introduserer karakterene og et problem (de er sultne, verden tar slutt, gutten er forelsket i noen osv.)
- Akt 2 kompliserer historien/problemet (Alle butikkene er stengt, den dårlige fyren kan vinne, personen har allerede en kjæreste osv.).
- Akt 3 gir løsning på problemet (de finner en smørbrødbutikk, de redder verden, gutten møter en annen person, etc.)
Trinn 2. Skiss tegnmodeller
Før du begynner å animere, må du vite hvordan karakterene dine kommer til å se ut. Tegn dem i en rekke stillinger, kostymer og uttrykk for å få en følelse av hvordan de vil se ut. Husk at en karakter kan være hva som helst i en animasjonsfilm, fra en bjørn til et par salt- og pepperrister. Likevel vil du utvikle karakterene dine på forhånd slik at de ser konsekvente ut når du animerer dem.
Trinn 3. Lag et storyboard
Storyboards er individuelle tegninger for hver bit handling i manuset og brukes i produksjonen av nesten hver film - animert eller på annen måte. De er både enkle og omfattende, ettersom du trenger en for hver endring du vil ha i filmen. De trenger imidlertid ikke bakgrunnsdetaljer eller farger, med mindre det er avgjørende for historien. Du kan finne og skrive ut en rekke gratis storyboardmaler online, eller tegne dine egne. Hver ramme på storyboardet har to deler:
-
Bildet:
I en rektangulær boks tegner du den viktigste handlingen i bildet, og ignorerer bakgrunnsbilder foreløpig. Du kan også tegne notater eller piler for å indikere bevegelse.
-
Dialogen.
Under bildet, skriv ned det som må sies i bildet, den foreslåtte lengden på bildet og eventuelle effekter (zoom inn, skjelvende kamera, etc.)
Trinn 4. Importer storyboardet til et filmprogram, og lagre hvert bilde individuelt
Når du har planlagt bildene, importerer du dem til datamaskinen. Sørg for å navngi dem på riktig måte (for eksempel Act1. Scene1. Shot1.jpg). Når du er ferdig, importerer du dem alle til filmredigeringsprogramvaren (iMovie, Windows Movie Maker, Final Cut Pro, Adobe AfterEffects, etc.) og legger dem i riktig rekkefølge.
Adobe AfterEffects eller Premier regnes som bransjestandarder, men du kan bruke det programmet du er mest komfortabel med
Trinn 5. Bruk storyboardet ditt til å lage en tidsvis lysbildefremvisning eller animasjon
Animatikk er de grove klippene av animasjon - de får takten og rytmen til de korte sammen og lar deg få timingen riktig for din siste short. Dette høres komplisert ut, men de er egentlig bare lysbildefremvisninger med riktig timing. Sett bildene på storyboardet i orden på redigeringsprogramvaren, og utvid, klipp og spill med dem til du har et "grovt" snitt av den siste filmen.
- Du kan finne eksempler på animasjon på nettet, som animasjonen for musikkvideoen "Feel Good Inc." samt noen Pixar -animasjoner.
- Nesten alle animasjonsfilmer blir først animert. Ellers risikerer du å bruke timer på å animere en scene som må endres, bli lengre eller kortere eller bli slettet.
Trinn 6. Legg til dialog og lydeffekter og juster timingen til animasjonen etter behov
Når du har fått den grove timingen nede, er det på tide å forhåndsinnspille dialogboksen. Dette trenger ikke å være perfekt, og du kan til og med forfalske lydeffektene med munnen og hendene hvis du vil. Det som betyr noe er timingen. Har du nok tid i "skuddet" til å få ut alle ordene? Forleng eller forkort lengden på lysbildene etter behov.
Jo nærmere du kan få dialogen til å perfeksjonere, jo bedre, ettersom det meste gode stemmeskuespillet krever riktig timing. Når det er sagt, er det ikke på tide å bekymre seg for de finere detaljene i stemmeskuespill. Du må få animasjonen din sammen før du går videre til full produksjon
EKSPERT -TIPS
Melessa Sargent
Film Producer Melessa Sargent is the President of Scriptwriters Network, a non-profit organization that brings in entertainment professionals to teach the art and business of script writing for TV, features and new media. The Network serves its members by providing educational programming, developing access and opportunity through alliances with industry professionals, and furthering the cause and quality of writing in the entertainment industry.
Melessa Sargent
Film Producer
Take some extra time in the editing phase to fine tune your timing
Since a short film is only about 15 minutes, everything has to be on point, from the writing to the voice of the character to the location.
Trinn 7. Gjennomgå animasjonen din som om den var den siste filmen
Den siste animasjonen skal fortelle hele historien til filmen din, minus fargene, bakgrunner og detaljer.
Hvis du har kunnskap om videoredigering, kan du legge til panner, zoomer og overganger akkurat nå for å teste dem før den endelige redigeringen
Trinn 8. Vurder å kjøpe et nettbrett
Nettbrett er små datamaskinputer som kommer med en elektronisk penn, slik at du kan "tegne" rett inn i datamaskinen. Å tegne godt med en mus er nesten umulig, og med mindre du planlegger små prosjekter eller stop-motion-arbeid, trenger du nesten definitivt et nettbrett.
Metode 2 av 3: Animere filmen din (produksjon)
Trinn 1. Bestem ditt animasjonsmedium
Dette avhenger vanligvis av din kompetanse og maskinvare. For eksempel er det veldig vanskelig, om ikke umulig, for en nybegynner med en eldre datamaskin å lage 3D -animasjoner som Pixar. Det er mange, mange animasjonsprogrammer og stiler, og alle har forviklinger og teknikker som er unike for programvaren.
-
2D -animasjon:
Dette er den klassiske tegneserien, håndtegnet utseende. Karakterene er flatlinjetegninger. Opprinnelig ble de tegnet ramme for ramme, men nå er det en rekke programvare som gjør prosessen mye raskere, for eksempel Synfig, Pencil2D, ToonBoom eller til og med Adobe Photoshop. Tradisjonelt bruker du 12-24 tegninger per sekund film.
-
3D -animasjon:
I likhet med modellene som brukes i videospill og filmer som Toy Story og Shrek, er 3D -animasjon mye vanskeligere å mestre. Du lager modeller av karakterene og kodebevegelser til dem, og gjør 3D -animasjon til en slags kunstnerisk/kodende hybrid. Du må også legge til belysning og teksturer. 3D -programvare kan brukes, men det tar lang tid og krever programvare som AutoDesk, Poser Pro, Aladdin eller Sketchup. Mest 3D -animasjon er et resultat av at store team jobber sammen.
-
Stop-Motion:
Så enkelt hvem som helst kan gjøre det, stop-motion er når du bruker virkelige figurer eller tegninger og tar et bilde etter hver lille bevegelse. Når bildene spilles rygg mot rygg i høye hastigheter, ser det ut som bevegelse. Det er imidlertid utrolig tidkrevende, ettersom du ofte trenger opp til 12 bilder per sekund for å få det til å se glatt ut. Du kan bruke utskjæringer, leiremodeller, individuelle tegninger eller ekte mennesker for å lage det.
-
Rotoskopi:
En nisjeform for animasjon som finnes i filmer som A Scanner Darkly, rotoscoping animerer på toppen av konvensjonelt innspilte filmer. Du trenger et nettbrett, og du går gjennom opptakene bilde for bilde, og bruker livevideoen som en guide for å tegne karakterene. Resultatet er et realistisk, men likevel animert utseende.
Trinn 2. Tegn bakgrunnen din
Start med innstillingene dine, ettersom tegnene er lagt over dem. Bakgrunnen skal være alt som karakterene ikke samhandler med, ettersom alt som beveger seg må animeres. Bakgrunnen skal være en stor tegning og skannes inn i høy oppløsning. Dette lar deg "zoome inn" på visse seksjoner uten forvrengning. For eksempel, hvis du har to karakterer som snakker på en kafé, vil du tegne hele kafeen bak dem. Men du vil kanskje at "kameraet" skal fokusere på hver karakter mens de snakker individuelt. I stedet for å tegne bakgrunnen bak ham, kan du kopiere og lime inn en mindre del av din detaljerte bakgrunn for "nærbilder".
Trinn 3. Skiss, modell eller design dine nøkkelposisjoner
" Hva er de viktigste posisjonene til karakterene dine, eller definerende handlinger hver enkelt utfører, i scenen? Tenk på disse som "destinasjonene" for hvert stykke bevegelse. Ta for eksempel et tegn som avvikler et slag. Du kan dele dette opp i tre "nøkkelposisjoner", som hver må tegnes og lagres separat.
- Nøkkelpose 1 = Hvile. Det kan være et ansikt med overraskelse, sinne eller besluttsomhet, eller ganske enkelt karakteren med hendene på sidene.
- Key Pose 2 = Avvikling. Hvordan legger karakteren armen tilbake? Ikke bekymre deg for bevegelsen for å komme til denne posisjonen, bare trekk dem ut med armen tilbake og klar til å slippe.
- Key Pose 3 = The Follow Through. Hvor havner karakteren rett etter slaget? Armen vil bli avslørt og kroppen vil sannsynligvis følge gjennom. Igjen, du vil ha den siste stillingen, ikke rammene mens hånden går gjennom.
- Jo flere nøkkelposisjoner du tegner, jo mer kompleks blir bevegelsen. For eksempel kan du legge til nøkkelframe slik at karakteren ser sjokkert ut, baller i en knyttneve, slipper albuen, svinger armen, slår og deretter snurrer rundt på oppfølgingen.
Trinn 4. Tegn rammene "mellom"
Ta slag for eksempel - hvordan kommer du fra nøkkel til nøkkel? Det er noe avansert programvare som vil gjøre dette for deg - når du har laget karaktermodeller, vil programvaren "gjengi" bevegelsen mellom deg. Men hvis du bare har begynt, må du sannsynligvis tegne dine egne rammer for hånd. Jo flere rammer du tegner, jo jevnere vil handlingen se ut.
- Det kan hjelpe å sette nøkkelbildene på skjermen som guider. Dette hjelper deg med å se hvor du trenger for å få karakterene, og hvor de begynte.
- Hvis noe ikke beveger seg, ikke bry deg om å tegne på nytt. Kopier og lim inn nøkkelrammen, slett delen som må flyttes, og behold alt annet der det var.
Trinn 5. Sammensatte opptakene
Kompostering er bare en fin måte å beskrive å sette filmen sammen. Dette kan være så enkelt som å bestille alle bildene for stop-motion eller så komplisert som å gjengi en 3D-modell med nøyaktig belysning. Igjen vil animasjonsmetoden din bestemme hvordan du sammensetter noe:
- For 2D -animatorer handler komposisjon om å få bevegelsen til å se jevn ut. Programvare som ToonBoom vil gjøre dette for deg, og kan kalles "gjengivelse".
- For 3D -animatorer, vet at dette tar lang tid. Belysningseffekter og teksturer er vanskelig å programmere, og selv de raskeste datamaskinene kan ta timer å lage en video.
- For stop-motion-animatorer bør du leke med rammelengde og justere bildene med en tiendedel eller hundredel av et sekund for å få jevn, flytende bevegelse.
Metode 3 av 3: Gjøre filmen din ferdig (etterproduksjon)
Trinn 1. Spill inn en dialogboks for den siste filmen
Nå som du har den nesten ferdige animasjonen, er det på tide å gjøre vokalen helt riktig. Stemmeskuespillerne dine kan se den endelige scenen, karakterenes uttrykk og timingen du vil ha i det siste bildet. Dette lar dem (eller deg) levere den beste vokalprestasjonen.
Vær oppmerksom på at på dette tidspunktet kan eventuelle endringer i animasjonen være svært tidkrevende å gjøre. Det er derfor forsiktig pre-produksjon er avgjørende for en animasjonsfilm av hvilken som helst lengde
Trinn 2. Legg til lydeffekter der det er aktuelt
Lydeffekter bør komme etter stemmeskuespillerne, og innstilt på riktig volum der de ikke overmanner dialogen. Det er noen unntak fra denne regelen, selvfølgelig. For eksempel, hvis det er en eksplosjon tegnene må reagere på, kan det være best å sette det inn først, før du tar opp dialog. Dette hjelper aktørene ut med reaksjoner.
Lydblanding er en viktig og subtil kunstform. Invester i et par par hodetelefoner og/eller høyttalere for å finjustere alle volumene riktig
Trinn 3. Klipp filmen inn i din endelige visjon
Nå som du har samlet hele filmen, hvordan holder den? Sjansen er stor for at noen av overgangene føles klumpete og en scene eller to går lenger enn den burde. Akkurat som du ville redigere enhver live-actionfilm, må du vende et kritisk blikk til det animerte stykket og polere det til det glitrer. Selv om det ikke er noen "riktig" måte å redigere en film på, er det et par prinsipper du må huske på:
- Føles noen scener raske og viktige? Føler du deg engasjert hele tiden? Hjelper en bestemt linje eller et skudd med å flytte historien eller temaet? Hvis svaret på noen av disse spørsmålene er nei, kan du begynne å trimme. Ofte er de første og siste linjene i dialogen uvesentlige, ettersom det å hoppe rett inn/ut av en scene vanligvis er mer engasjerende. Hver ramme teller ved redigering.
- Se filmen med noen som er fjernt fra prosjektet. Var det deler som ble lei? Forvirret noe dem eller trengte mer tid? Hvordan kan du klippe og trimme historien din for å gjøre den så gripende som mulig?
- Hvordan flyter scenen sammen? Noen ganger hjelper 2-3 sekunder med bakgrunnsopptak seeren med å trekke pusten og dykke ned i neste scene før dialogboksen starter.
Trinn 4. Legg til poleringene, som effekter, overganger og fargekorrigering
For eksempel, hvis du vil ha en gammel sepia-fargetone i filmen din, kan du legge den til sist. Slike små endringer er unødvendige mens du trimmer, klipper og bygger filmen. Dessuten vil de være ubrukelige hvis du klipper scenen eller endrer fargeskjemaet. Alle disse små berøringene må komme sist, når du er sikker på at "kjøttet" i filmen er ferdig.
- Legg til servietter, oppløsninger eller fade-ins til sceneovergangene.
- Legg til filtre eller effekter over det ferdige opptaket.
- Legg til titler og kreditter til begynnelsen og slutten etter behov, helt på slutten.
Video - Ved å bruke denne tjenesten kan noe informasjon bli delt med YouTube
Tips
- Arbeid i små biter for de beste resultatene - en scene, en handling osv. - og bygg dem deretter sammen senere.
- Ta deg god tid til pre-produksjon. Det vil spare mye hodepine senere.
- Lag en testfilm, ikke mer enn 20-30 sekunder, hvis du bare har startet med en ny programvare. Dette hjelper deg med å lære programmet og utfordringene før du dykker ned i visjonen din.
